SALVADOR DALÍ

Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Se autoproclamó como "El Divino".

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante, se desarrolló en muchas facetas: pintura, grabado , orfebrería, escultura, cine, fotografía y decoración entre otros varios oficios.Tuvo un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico, difundió sus ideas por el mundo.Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931. Su obra se ha relacionado con el subconsciente, el psicoanálisis y lo sueños, ya que acostumbraba a plasmar en ellas sus obsesiones. 

Bibliografía:

http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD

http://personal.telefonica.terra.es/web/jack/dali/dali.htm

Información Museo Metropolitano de Arte Contemporáneo

"TRADICIÓN Y VANGUARDIA DALÍ"

"Tradición y Vanguardia Dalí" es el nombre que se le da a la muestra de algunas de sus obras gráficas.

 DALÍ Y GOYA: DEL CAPRICHO AL DISPARATE

En un primer nivel tenemos la exposición denominada: "Dalí y Goya: Del Capricho al Disparate". En este grupo de grabados, el español nos presenta sincronizadamente capricho y disparate, cada lámina es una crítica social del capricho integrada en el mundo surreal del sueño de la razón. Dalí complementó, en armonía, su universo con los caprichos goyescos llevándolos al disparate daliniano. 

Técnica: Grabado


OBRAS: 


"....AL RÍO CREYENDO QUE ERA MOZUELA...."


Esta obra es la interpretación de Dalí de lo que en Goya fue "Que se la llevaron". Se encuentra en la sala que lleva por nombre: Inclusión de figuras nuevas. Se trata de un hombre que captura a una mujer con vestido amarillo entre sus brazos, como queriendo hacerla suya. La mujer en su rostro muestra impaciencia e intranquilidad, talvez porque desea que el hombre la despoje o talvez porque no quiere ser despojada. Es un cuadro con una escena muy apasionada. En el fondo del mismo, se encuentra una sombra como de un caballero negro con un casco con una pluma roja. Los colores que Dalí utiliza son fríos a excepción del amarillo del vestido de la dama que es un amarillo muy fuerte. La composición del cuadro es orgánica.

"MELANCOLÍA SÓRDIDA"


Esta obra se trata sobre la agresión y el abuso del más fuerte al más débil. Es la interpretación del "Capricho 69" de Goya. Desarrolla la escena de una especie de riña, un hombre ataca a otro que está casi desprotegido y vencido en el piso, mientras atrapa de los pies a un niño. El autor muestra el asombro en varias caras que aparecen por detrás. También muestra a un ser con rostro de hombre y alas de ángel. El grabado está realizado con colores cálidos para los cuerpos y las personas y fríos para las sombras. La composición de esta obra es orgánica.

"LA DIVINA COMEDIA"

Dalí realizó 100 acuarelas para la ilustración de la obra literaria de Dante Alighieri, La Divina Comedia. Posteriormente estas fueron multiplicadas en varias series xilográficas. Esta exposición abarca 56 de los 100 ejemplares. El soporte utilizado para estas muestras lleva dos marcas de agua: Les Heures Claires y B.F.K Rives.

Técnica: Acuarela

OBRAS:

CANTO X: FARINATA AZUL

Esta obra se desarrolla en el infierno. Muestra a una especie de fantasma con túnica blanca y una sombra muy grande atrás que puede representar la oscuridad del infierno por el que pasaran los hunanos. Dos hombres que se encuentran de espaldas lo ven. Uno de ellos es Dante que tiene una corona de olivo y el otro está encapuchado cubierto con una larga túnica blanca. Dalí usa los tonos negros para representar las sombras y juega con los rojos, tomates y azules para el vestuario de los hombre. La composición de la obra es orgánica.

CANTO XVI: EL HUMO DE LA IRASCIBILIDAD

Esta obra representa al humo de la irascibilidad muy humanizado. Es una escena en el purgatorio. Tiene músculos lo que muestra su fortaleza. Su brazo está levantado y doblado con el puño encogido como señal de poder. No tiene rostro es decir solo se nota la cara. Tiene dos cuernos en color azul y el resto del cuerpo está en tonos tierra. Dalí solo pinta la silueta más no lo interno. Los colores son fríos y la composición es orgánica.

CANTO VII: EL ASCENSO A VENUS

Esta obra de desarrolla en el paraíso. Muestra el rostro de un ángel de perfil, con cabello rizado y rubio con reflejos rojos y una aureola. Tiene una perfecta nariz, pequeña y respingada, labios finos y ojos azules. Abajo del rostro se encuentra la silueta y sombra de una Virgen. Los colores son cálidos a excepción de la Virgen pintada en colores fríos. La composición de la obra es orgánica.

CRÍTICA PERSONAL:

La exposición de Dalí nos muestra la capacidad del artista para desarrollar dos técnicas  totalmente diferentes a la perfección. 

Dalí toma "Los Capricho de Goya" y les da un tinte diferente mostrándolo desde otra perspectiva. Dalí les da un toque más agresivo, más real, los rostros con emociones más marcadas, es decir se puede  apreciar de mejor manera, los sentimientos de los personajes grabados en los trabajos del autor. Este conjunto de obras son más profundas, la apreciación de la situación es diferente y el mensaje más claro. 

Dalí cuando pinta en acuarela las diferentes escenas de la obra de Dante "La Divina Comedia", lo hace plasmando lo que el cree que es el infierno, purgatorio y paraíso. Es otra forma de captar en imágenes lo que escribe Dante y lo que la Biblia cuenta. Siempre es bueno tener en ilustraciones lo que los libros cuentan y mejor aún si es algo tan subjetivo como escenas religiosas. La historia en acuarela es muy buena pero si no hay conocimiento sobre la obra de Alighieri sería muy difícil entender las pinturas de Dalí.

Interesante exposición que muestra la destreza de Salvador Dalí....

ANÁLISIS CRÍTICO "LAS FLORES DEL MAL"

Charles Baudelaire escribe "Las Flores del Mal". Se trata de un libro de poemas con diversos temas pero que tienen el mismo estilo. No son nada románticos, sino por el contrario se podría decir de cierta manera que son trágicos. Habla de cada tema dramáticamente y describiendo cada acción, gesto o característica, detalladamente. Se nota claramente que el autor tiene un amplísimo vocabulario y sobre todo combina certeramente las palabras. Notamos que en varios poemas emplea una estrofa entera para describir una sola cosa, es decir un solo objeto, sentimiento o acción. Entonces esto es un claro ejemplo del dramatismo en el que se desarrolla esta obra.

Para llegar a entender el fondo y el mensaje de cada poema, es necesario leerlo enteramente hasta el final. Solo ahí se capta la idea general del autor. Lo relevante de estos escritos se encuentra en el contenido más que en la forma de escribirlo. Reprocha muchas cosas a lo largo de la obra, incluido su existencia y la de los demás. Utiliza la poesía para tratar temas que son inadmisibles en su época, por eso muchos de sus poemas fueron censurados. Es indispensable saber leerlo para poder entenderlo. Y saber leerlo requiere imaginación mezclada con realidad, capacidad de ampliar la mente para hacer encajar los detalles que nos da con el contenido del poema. Poder visualizar como se van dando las acciones que describe, la forma de los paisajes que detalla, entre otras cosas.

Baudelaire usa algunas figuras literarias como la metáfora. Los versos son octosílabos y endecasílabos. A pesar de que no emplea la rima, sus poemas gozan de una riqueza de lenguaje que compensa dicha falta.  Es muy expresivo y meticuloso al momento de describir. Trata temas sobre la muerte, engaños, mujeres, su vida, las derrotas, hombres, amantes, entre muchas otras cosas.

Personalmente la obra en general no me agradó del todo. Hay ciertos poemas que me resultaron interesantes pero otro fueron confusos y hasta un poco sin sentido para mí. Lo que si es innegable, es la forma como Baudelaire puede desplegar un sinnúmero de características para describir, esto sin duda demuestra su alto grado intelectual. También es admirable como le da un toque de clase a los trágicos poemas que escribe. Leyendo este libro se aprenden nuevo vocabulario que no es muy cotidiano por lo tanto es un aporte a nuestro intelecto como redactores y lectores.

POEMAS:

MUJER DE SEDA

Y ASÍ TRANSCURREN LOS DÍAS DE INVIERNO                             

FRÍOS Y GRISES COMO EN UNA TORMENTA,

QUE NO CESA DESDE QUE SE ALEJÓ SIN MIEDO        AQUELLA COQUETA MUJER DE SEDA.

Y ES QUE DEJÓ UNA HERIDA ABIERTA

EN UN CUERPO CASI SIN ALMA

PUES HACE RATO QUE PERDIÓ LA CALMA

POR  CULPA DE DE ESA INSENSIBLE  INGRATA.

ULTRAJE DE ILUSIONES

LOS PERROS LADRABAN ALGO DESCONTROLADOS,           LAS AVES REVOLOTEABAN INQUIETAS SUS ALAS,

AL MISMO TIEMPO QUE UN PAR DE DESGRACIADOS,

ULTRAJABAN A UNA INDEFENSA MUCHACHA.

UNA DOLOROSA CICATRIZ MARCÓ A LA JOVEN,

CUYAS ILUSIONES POCO A POCO SE DESVANECÍAN,

CUAL CRISTAL ROTO EN CIENTOS DE PEDAZOS

ASÍ MISMO, ERA EL OCASO DE SU ALEGRÍA.

 ABSURDA MUERTE                                                                                  

COMO ASIMILAR QUE LOS DIOSES SE LLEVAN,

A UN PEQUEÑO INDIVIDUO DE LA TIERRA,

REPLETO DE HISTORIAS Y AVENTURAS PLENAS,

DE AMOR, PASIÓN, LOCURA Y GUERRAS.

UN HOMBRE CON UN LIBRO VACÍO

CON PÁGINAS EN BLANCO Y SIN LETRAS

MALDITO EL DÍA QUE DECIDIERON ACABAR

CON LA VIDA DE UN JOVEN LLENO DE IDEAS.

ARQUITECTURA MEGALÍTICA

La arquitectura megalítica literalmente significa gran piedra. Se originó hace más o menos mil años en sociedades de Oriente y se extendió hacia Europa. Estas personas levantaron estructuras de piedra para celebraciones de ritos funerarios y de culto a los antepasados.

El megalitismo utiliza piedras de grandes dimensiones llamadas ortostatos pero cuando resulta necesario también se utiliza piedras de menor tamaño y mampostería.

Con estos materiales se levantaron diferentes tipos de monumentos megalíticos entre los que tenemos:

Menhir:

Se lo conoce también como monolito. Se forma por una gran piedra clavada verticalmente en el suelo y tallada en la punta. Se cree que estas edificaciones estaban relacionadas con el alma, rituales religiosos, funerarios o mágicos y habrían tenido como función celebrar acontecimientos conmemorativos.

Alineamiento:

Agrupamiento de menhires. El más largo es el de Carnac que tiene 3km formado por hileras que seguían la orientación del sol o los astros. Se le asigna funciones religiosas o mortuorias.

Dolmen:

Quiere decir mesa grande de piedra y es un monumento formado por varios menhires sobre los que descansan horizontalmente otras grandes piedras. El dolmen es considerado como la primera muestra de arquitectura adintelada. Existen numerosos ejemplos en Gran Bretaña como el Locmariarquer, Garol, Lazere, Ardeche y Aveyron.

Crómlech:

Son formaciones circulares compuestas de varios dólmenes y menhires. Se construían generalmente como sede de un gobierno importante de la religión de Stonehenge.

Otras estructuras:

Las taulas, navetas y talavots son estructuras más perfeccionadas y se encuentran en las Islas Baleares.

Algunos ejemplos de esta arquitectura:

·         Menhires de de Saint-Macaire en Francia y de Outeiro en Portugal.

·         Alineamientos de Carnac en Francia, 4500-2500 a.C. Es el conjunto de alineamientos megalíticos mas extenso y mas antiguo de Europa. Son unos 4000 menhires repartidos en 40 hectáreas y 4 Km. de longitud. Fueron construidos por pueblos sedentarios que gozaban de suficientes excedentes alimenticios para poder dedicar mucho tiempo y energía a estas construcciones. Se cree que funcionaban como cementerio, otros como observatorio astronómico con las hileras de menhires orientadas a los puntos de la salida del sol.

·         Crómlech de Castlerigg en el Reino Unido y dos Almendres en Portugal iniciado en 4500 a.C. El más conocido ejemplo de construcción megalítica es el crómlech de Stonehenge del 3100-2200 a.C. Inició con una serie de fosos circulares: primero uno de 100 metros, luego otro formado por 20 monolitos, un círculo de menhires y por último 5 trilitos en forma de herradura. Las piedras de 4 metros de altura son un ejemplo de ingeniería, al igual que las losas o lascas horizontales, ubicadas exactamente donde la luna llena se coloca perpendicular a la salida del sol en el solsticio de verano en hemisferio norte. Este sitio fue uno de los primeros lugares de culto.

BÁRBARA KATZ

Análisis Biográfico:


Chilena de nacimiento con residencia ecuatoriana. Estudió en la Casa de la Cultura Ecuatoriana, Taller de Cayon y Taller de Miguel Gayo.


Exposiciones Individuales: 
- L´art centro de arte, junio 1992, Quito.
- MS Galería de arte, enero 1996, QUito.
- Atheneum Galería (World Trade Center), marzo 1997, Quito.


Miguel Gayo acerca de Bárbara Katz:

"Ella, al igual que todos los pintores amigos que conozco es pintora porque pinta, sin más complicaciones. De su pintura ni hablo porque sobar más las palabras de moda, “ismos” que casi nadie entiende, no es lo mío. Mirad sus cuadros bien, que ellos si que hablan. Pero Bárbara es otra cosa, os diré que si sentís tristeza, soledad o alegría, ahí están ella y sus cuadros, visitadla y recibiréis otras vivencias al descubrir su talento, sensibilidad y el buen sentir con que se entrega su creadora, gran artista y mejor amiga. Una sugerencia: sacad esos cuadros llenos de color y buen gusto y colgarlos en vuestras casas"

Bárbara Katz: 

"Veo a la belleza ... donde veo la esperanza" 

No me asusta el color.Mi trabajo esta básicamente inspirado en la figura humana y la naturaleza. No me gusta ser etiquetada, aunque podría ser clasificado como de estilo realista, intimista.Parte de mi colección tiene una fuerte influencia de Lempicka, asi  como en las formas, poses y sombras cubistas, pero aplicando mi impronta  personal en el manejo del color, luz, trazo depurado  y darles un carácter más contemporáneo, con un mensaje de alegría, armonía y belleza. Entre mis artistas favoritos: Da Vinci, Boticelli, así como renacentistas  flamencos,  Durero, Vermeer, VanEyck, Van Gogh, De Lempicka, Dufy, O'Keefe, Kandinsky, Mondrian,Braque y Kahlo, entre otros.       

ANÁLISIS CONTEXTUAL
Katz desarrolla sus obras en una época dónde los artistas pueden interpretar la realidad en sus pinturas sin temor a nada, son libres de expresar lo que deseen a través de sus cuadros. Hay una revolución mediática por la cantidad de nuevas tecnologías lo que hace que una pintura tenga más valor artístico por mostrar un sentimiento real o una intimidad humana como ningún otra creación. Los artistas pintan sobre lo que quieren y no sobre lo que se les impone como en otras épocas de dominio cultural donde la expresión estaba restringida.

ÁNALISIS DE IMAGEN

BETTE PSYCHODELLIC

Esta obra tiene composición orgánica combinada con geométrica por las formas de atrás de la mujer. A su vez este personaje tiene una mirada psicodélica, con una pose sensual que despertaría la atracción de cualquier hombre. Los colores son claros y brillantes con ciertos espacios donde los negros realzan el brillo de los demás tonos. Las formas traseras forman una especie de mosaico de triángulos y cuadriláteros. El tema central de la obra es la belleza de la mujer en su lado más psicodélico. Kast quiere expresar a la mujer desde el punto de vista de la psicodelia, realzando sus formas bajo la poca ropa que lleva consigo.

LADY IN RED

La composición de esta obra es orgánica. Los colores son cálidos hasta cierto punto que se van degradando del centro hasta los bordes donde se tornan fríos. Tiene forma humana por ser el retrato de una mujer. La temática de la obra es la delicadeza de la mujer al mismo grado que de una flor. La pintora nos quiere mostrar con una especie de comparación metafórica, a una mujer tan pura y tersa como una de estas. El detalle de las manos abrazando y sosteniendo a las flores, permiten que el cuadro irradie un sentimiento de pertenencia como si las ellas fueran una parte más de la atractiva mujer que las sostiene.

RETRATO DE ANTONIA

La composición de esta obra es orgánica. Los colores son cálidos y claros. Por ser un retrato las formas son iguales a las de una persona, en este caso una niña de corta edad. La temática es claramente la inocencia de los niños y niñas pequeñas. La artista en este retrato nos hace notar el encanto de una pequeña criatura con vestido y trenzas que aunque no parezca, la hace mucho más dulce y cándida. El detalle de la mariposa en el hombro representa la delicadeza y libertad de los pequeños.

ROUGE

La composición de esta obra es orgánica. Los colores son cálidos en primer plano, en el fondo hay un contraste total con uno de los colores más fríos. Al ser un retrato las formas siguen siendo humanas. La temática viene desde el nombre del cuadro "Rouge", en español rojo. La pasión de la mirada de una mujer que pretende tentar a alguien con la profundidad de sus ojos. Bárbara Kast quiere expresar la sensualidad a través de colores que llaman la atención y que a primera vista los reconocemos como lujuriosos.

SERIE MUJERES: FRAGMENTOS

La composición de esta obra es geométrica. Los colores son cálidos y vivos. La autora solo usa cuatro colores como relleno que varían en matices. La forma humana sufre cambios de textura debido a los cambios en las matrices de los colores principales de la obra. La autora nos quiere dar a entender como la mujer se va fragmentando internamente cuando se deja absorber por las condiciones adversas en las que se ve inmersa al no poder controlar sus emociones personales.

CRÍTICA PERSONAL

La exposición de Bárbara Katz tienes muestras realistas e intimistas. Los retratos de mujeres son profundos y despiertan curiosidad por saber que historia hay detrás de cada pintura. Los rostros de bebés irradian sinceridad, honestidad y sobre todo al mirar los ojos captamos mucha ternura. Los payasos pintados por Katz no muestran la alegría típica de ellos, más bien la autora nos da a conocer un lado poco visto, la parte de depresión y desacuerdo con ciertas actitudes que ellos deben aparentar aún cuando no lo sientan. 

Una exposición que  nos hace reflexionar sobre un lado que no siempre captamos de las personas a primera vista y nos hace mirar mas allá de las apariencias e investigar que hay detrás de cada actitud que tomen.